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Fleeting Joys - Occult Radiance (2009)
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http://www.mediafire.com/?gnlu0zjdjoy
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viernes 22 de mayo de 2009
SVARTE GREINER - KAPPE (2009)
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Svarte Greiner - Kappe (2009)
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http://rapidshare.com/files/186928882/Svarte_Greiner_-_Kappe__2009_.rar
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EMERALDS - WHAT HAPPENED (2009)
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Emeralds - What Happened (2009)
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.jpg)
http://rapidshare.com/files/214141707/2009_-_EMERALDS_-_what_happened__no_fun_productions_.rar
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SYLVAIN CHAUVEAU - THE BLACK BOOK OF CAPITALISM (2009)
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Sylvain Chauveau - The Black Book Of Capitalism (2009)
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http://rapidshare.com/files/227547288/SylvainIP.zip.html
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BOXCUTTER - ARECIBO MESSAGE (2009)
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Boxcutter - Arecibo Message (2009)
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http://rapidshare.com/files/217601392/Boxcutter_-_Arecibo_Message__2009_.rar
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ALVA NOTO - XERROX VOL. 2 (2009)
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Alva Noto - Xerrox Vol. 2 (2009)
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http://rapidshare.com/files/209255273/Alva_Noto_-_Xerrox_Vol.2__2009_.part2.rar
Pass: ktk
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A WAKE A WEEK - LITTLE BLACK CLOUD (2009)
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A Wake A Week - Little Black Cloud (2009)
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http://rapidshare.com/files/204483948/A_Wake_A_Week_-_2009_-_Little_Black_Cloud.zip
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A SHORELINE DREAM - RECOLLECTIONS OF MEMORY (2009)
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A Shoreline Dream - Recollections Of Memory (2009)
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martes 16 de diciembre de 2008
SERENA-MANEESH - S-M BACKWARDS (2008) + SAPPHIRE EYES (Single, 2008)
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Serena Maneesh - S-M Backwards (2008)
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Serena Maneesh - Sapphire Eyes (Single, 2008)
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viernes 14 de noviembre de 2008
ANIMAL COLLECTIVE - crónica del concierto - 13 de Noviembre 2008 - Centro de Fundación Telefónica, Lima
Por Eduardo Lenti
Hace algunos años, probablemente unos cuatro años, conocí la música de Animal Collective por un amigo, Juan Casella, a través del album Sun Tongs y poco después Feels... la propuesta musical de Animal Collective me pareció interesante, aunque no se convirtió en aquellas de esas bandas a las cuales necesito recurrir de tanto en tanto. De cualquier modo, he seguido su evolución y me sorprendió la noticia de que los tendríamos en Lima para ofrecernos un concierto inesperadamente gratuito.
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Hace un par de años, precisamente en esta misma época acudí al mismo local del Centro de Fundación Telefónica para ver a los Black Dice. Tal y como entonces llegué una hora antes del inicio indicado en las promociones. Eran las 7:00 PM y la cola de gente, esta vez, daba la vuelta a la esquina del local, por el lado de la Av. Petit Thouars, inclusive llegaba hasta el final de la cuadra y retornaba la cola... la capacidad del local es de aproximadamente unas 600 personas, y faltaba aún una hora para el inicio del concierto, sin embargo el público que se había dado cita hasta ese momento ya colmaría con facilidad el auditorio... por suerte me encontré con un amigo quien amablemente me cedió un sitio entre los aproximadamente 150 primeros... le pregunté desde qué hora estaba haciendo cola y me dijo que desde las 5:30 PM... luego me enteré que los primeros de la larga cola estaban desde el medio día... todo esto se los comento pues imagino la ansiedad y afán de querer ingresar de todas formas y llegar a las primeras filas... Yo estuve en la primera fila, auque del lado izquierdo desde donde se podía ver al grupo de costado. El espectáculo comenzó aproximadamente a las 8:30 PM con el local abarrotado de público básicamente base 2... imagino que muchos se quedaron fuera... la convocatoria de Animal Collective en Lima fue un verdadero éxito, y más aún tratándose de una banda Indie que por cierto se ha convertido en banda de referencia ineludible para el sonido de los dos miles...
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Luego de algo más de 40 minutos con la música de los invitados, Los Shaolines Del Amor, viendo imágenes ácidas y algo retorcidas, con ruidos sin bases rítmicas y con el escenario vacío (tocaron sin mostrarse), se apagaron las luces del Centro de Fundación y quedó todo listo para la salida de Animal Collective, el público estaba impaciente... la gran pregunta de la noche entre algunos amigos de la cola fue ¿toda esta gente realmente conoce la música de Animal Collective? por lo ocurrido hace suponer que sí... la escena Indie en nuestra Lima ha crecido enormemente y eso, gracias al Internet, a los Bloggers, a los sites de eventos y a todo esto debemos de sumar la razón fundamental, las visitas cada vez más frecuentes de bandas de todo calibre... se ha creado una nueva cultura de conciertos entre el público de nuestra variopinta escena.
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Luego de una espera de aproximadamente 20 minutos subieron al escenario Panda Bear (Noah Lennox) en voces y percusión, Avey Tare (David Portner) en voces y guitarra, y Geologist (Brian Weitz) en electrónica y samples, obviamente el personaje que llevaba una linterna en la cabeza para ver sus teclados. Siendo honesto, la banda no me impresionó mucho durante los primeros minutos pero luego fue envolviéndome poco a poco, más aún en los momentos de mayor intensidad, aquellos momentos en donde sampleaban la percusión, la guitarra e inclusive la voz, convirtiendo todo en un caos sónico con feedback de alta frecuencia, gritos y explosiones de ruido, momentos que estimulaban a los asistentes llevándolos a cierto grado de euforia y hasta de histeria colectiva. En líneas generales, el concierto fue intenso y definitivamente una grata e inédita experiencia para algunos de los que nos encontrabamos ahí...
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Hace un par de años, precisamente en esta misma época acudí al mismo local del Centro de Fundación Telefónica para ver a los Black Dice. Tal y como entonces llegué una hora antes del inicio indicado en las promociones. Eran las 7:00 PM y la cola de gente, esta vez, daba la vuelta a la esquina del local, por el lado de la Av. Petit Thouars, inclusive llegaba hasta el final de la cuadra y retornaba la cola... la capacidad del local es de aproximadamente unas 600 personas, y faltaba aún una hora para el inicio del concierto, sin embargo el público que se había dado cita hasta ese momento ya colmaría con facilidad el auditorio... por suerte me encontré con un amigo quien amablemente me cedió un sitio entre los aproximadamente 150 primeros... le pregunté desde qué hora estaba haciendo cola y me dijo que desde las 5:30 PM... luego me enteré que los primeros de la larga cola estaban desde el medio día... todo esto se los comento pues imagino la ansiedad y afán de querer ingresar de todas formas y llegar a las primeras filas... Yo estuve en la primera fila, auque del lado izquierdo desde donde se podía ver al grupo de costado. El espectáculo comenzó aproximadamente a las 8:30 PM con el local abarrotado de público básicamente base 2... imagino que muchos se quedaron fuera... la convocatoria de Animal Collective en Lima fue un verdadero éxito, y más aún tratándose de una banda Indie que por cierto se ha convertido en banda de referencia ineludible para el sonido de los dos miles...
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Luego de algo más de 40 minutos con la música de los invitados, Los Shaolines Del Amor, viendo imágenes ácidas y algo retorcidas, con ruidos sin bases rítmicas y con el escenario vacío (tocaron sin mostrarse), se apagaron las luces del Centro de Fundación y quedó todo listo para la salida de Animal Collective, el público estaba impaciente... la gran pregunta de la noche entre algunos amigos de la cola fue ¿toda esta gente realmente conoce la música de Animal Collective? por lo ocurrido hace suponer que sí... la escena Indie en nuestra Lima ha crecido enormemente y eso, gracias al Internet, a los Bloggers, a los sites de eventos y a todo esto debemos de sumar la razón fundamental, las visitas cada vez más frecuentes de bandas de todo calibre... se ha creado una nueva cultura de conciertos entre el público de nuestra variopinta escena.
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Luego de una espera de aproximadamente 20 minutos subieron al escenario Panda Bear (Noah Lennox) en voces y percusión, Avey Tare (David Portner) en voces y guitarra, y Geologist (Brian Weitz) en electrónica y samples, obviamente el personaje que llevaba una linterna en la cabeza para ver sus teclados. Siendo honesto, la banda no me impresionó mucho durante los primeros minutos pero luego fue envolviéndome poco a poco, más aún en los momentos de mayor intensidad, aquellos momentos en donde sampleaban la percusión, la guitarra e inclusive la voz, convirtiendo todo en un caos sónico con feedback de alta frecuencia, gritos y explosiones de ruido, momentos que estimulaban a los asistentes llevándolos a cierto grado de euforia y hasta de histeria colectiva. En líneas generales, el concierto fue intenso y definitivamente una grata e inédita experiencia para algunos de los que nos encontrabamos ahí...
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A los pocos minutos de iniciada la presentación de la banda de Maryland, Brian Weitz invitó al público a que se pararan, Stand Up!!! insistía hasta que se aglomeraron todos dejando las butacas en el olvido... y es cierto, de pie se disfruta más de un concierto, pese a ello, yo me mantuve en mi lugar frente a los parlantes... por momentos la música se tornaba incluso bailable, con ritmos contagiantes... el estilo sería muy riesgoso definirlo pues es un poco de todo, desde Folk hasta electrónica, desde Noise hasta Psicodelia, esto último más por el concepto visual... en Animal Collective lo que prevalece está más en la forma en cómo musicalizan sus creaciones al punto que pueden adaptar una vieja canción y hacer de ella una recreación casi irreconocible...
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Fue más de hora y media lo que nos regalaron... canciones de diferentes épocas y adelantos del próximo disco: Chocolate Girl (del Spirit They're Gone, 2003), Comfi In Nautica (de Panda Bear), Bearhug (del próximo album Merriweather Post Pavilion, 2009), Who Could Win A Rabbit (del Sun Tongs, 2004), My Girls (2009), Lion In A Coma (2009), Lablakely Dress (del Hollinndagain, 2002), Fireworks (del Strawberry Jam, 2007), Essplode (del Spirit They're Gone), Brother Sport (2009), 1# (del Strawberry Jam), Leaf House (del Sun Tongs) y Peacebone (del Strawberry Jam), ésta última desató la euforia entre el público.
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Fue más de hora y media lo que nos regalaron... canciones de diferentes épocas y adelantos del próximo disco: Chocolate Girl (del Spirit They're Gone, 2003), Comfi In Nautica (de Panda Bear), Bearhug (del próximo album Merriweather Post Pavilion, 2009), Who Could Win A Rabbit (del Sun Tongs, 2004), My Girls (2009), Lion In A Coma (2009), Lablakely Dress (del Hollinndagain, 2002), Fireworks (del Strawberry Jam, 2007), Essplode (del Spirit They're Gone), Brother Sport (2009), 1# (del Strawberry Jam), Leaf House (del Sun Tongs) y Peacebone (del Strawberry Jam), ésta última desató la euforia entre el público.
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Sin duda fuimos afortunados al presenciar una de las bandas experimentales más interesantes de la escena Indie, por la cual se pagó precio de entradas en sus recientes presentaciones de Santiago, Sao Paulo y Buenos Aires... Gracias a la Sonoteca del Centro de Fundación Telefónica por hacer posible esta notable e inesperada visita..
.martes 11 de noviembre de 2008
THE JESUS AND MARY CHAIN - crónica del concierto - 06 de Noviembre 2008 - Centro de Convenciones Scencia, Lima
Por Eduardo Lenti
El concierto que nos ofreció The Jesus And Mary Chain la noche del Jueves 06 en el centro de convenciones Scencia, a mi gusto fue algo auténticamente extremo...
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No conocía el lugar... llegué como a las 7:30 PM. Me fue imposible llegar antes a la prueba de sonido de la banda. Luego lo lamenté... durante el tiempo que estuvo el local cerrado estuve paseando por las instalaciones intentando familiarizarme con el lugar. La gente que acudió al concierto, esta vez era básicamente gente de la escena, a diferencia del concierto de Duran Duran en donde pude apreciar todo tipo de público ajeno a la 'movida'.
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Luego de la larga espera, el primer grupo en salir fue la banda nacional Catervas con su música accesible y ligera... la hora del inicio debe haber sido como a las 10:00 ó 10:30... para entonces yo estaba ubicado en la primera fila de la zona preferencial, lugar privilegiado desde donde se podía apreciar el concierto a plenitud, a diferencia de la zona Vip que si bien es cierto, es más cómoda, también es más distante, y eso influye mucho en la comunicación entre la banda y el público, en mi humilde opinión...
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Luego de algunas canciones de Catervas, probablemente unas cuatro o cinco, salió la banda nacional Resplandor con el acompañamiento de las dos invitadas al cello y Violín que mostraron en la pasada presentación de Mark Gardener, además de una vocalista y de la presencia en algunas canciones de Robin Guthrie. En general la performance de Toño Zelada y compañía estuvo bastante bien, sin embargo el público reclamaba impaciente la salida de los ya poco revoltosos hermanos Reid... por momentos, desde mi ubicación y entre vasos de cerveza veía hacia atrás como lucía el lugar en cuanto a asistencia de público... la zona Vip estaba prácticamente aún vacía (avanzada la noche se llenaría), en tanto la zona preferencial que es en donde por momentos me desplazaba, estaba con una considerable cantidad de público...
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No conocía el lugar... llegué como a las 7:30 PM. Me fue imposible llegar antes a la prueba de sonido de la banda. Luego lo lamenté... durante el tiempo que estuvo el local cerrado estuve paseando por las instalaciones intentando familiarizarme con el lugar. La gente que acudió al concierto, esta vez era básicamente gente de la escena, a diferencia del concierto de Duran Duran en donde pude apreciar todo tipo de público ajeno a la 'movida'.
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Luego de la larga espera, el primer grupo en salir fue la banda nacional Catervas con su música accesible y ligera... la hora del inicio debe haber sido como a las 10:00 ó 10:30... para entonces yo estaba ubicado en la primera fila de la zona preferencial, lugar privilegiado desde donde se podía apreciar el concierto a plenitud, a diferencia de la zona Vip que si bien es cierto, es más cómoda, también es más distante, y eso influye mucho en la comunicación entre la banda y el público, en mi humilde opinión...
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Luego de algunas canciones de Catervas, probablemente unas cuatro o cinco, salió la banda nacional Resplandor con el acompañamiento de las dos invitadas al cello y Violín que mostraron en la pasada presentación de Mark Gardener, además de una vocalista y de la presencia en algunas canciones de Robin Guthrie. En general la performance de Toño Zelada y compañía estuvo bastante bien, sin embargo el público reclamaba impaciente la salida de los ya poco revoltosos hermanos Reid... por momentos, desde mi ubicación y entre vasos de cerveza veía hacia atrás como lucía el lugar en cuanto a asistencia de público... la zona Vip estaba prácticamente aún vacía (avanzada la noche se llenaría), en tanto la zona preferencial que es en donde por momentos me desplazaba, estaba con una considerable cantidad de público...
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Luego de algunos minutos salieron algunos roadies dejando todo listo para el ingreso de los esperados Jesus And Mary Chain... el público seguía llegando con algo de retraso... alrededor de las 11:30 la formación al completo hizo su aparición... el público especialmente de las primeras filas estuvo muy encendido, entre gritos y cámaras, incluso llegando al pogo..
La formación de The Jesus And Mary Chain cuenta con un notable batería, Loz Colbert (ex-Ride), percusionista de lujo que enriqueció con potencia y pericia las bases para las melodías de los Reid, además del experimentado Philip King (segundo bajista de Lush desde el album Split), y con un William Reid bastante subido de peso, distante, ensimismado haciendo lo suyo, lo que mejor sabe hacer con la guitarra, y un Jim Reid desconectado de todo, apático y algo arrogante, agazapado del micrófono, luciendo un cortísimo corte de pelo con la mirada algo perdida...
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En general, la ejecución de la banda careció de aquel ruido de la primera época... no se trataba del sonido sucio y encrudecido que a algunos nos gustaba de ellos, sino más bien una propuesta más limpia y basada en la potencia... buen sonido, alta dosis de energía y la experiencia ganada fue lo que primó en el Set List que nos ofrecieron, empezando con un fantástico Snakedriver, y encendiendo el ambiente con la clásica Head On, la segunda pósima ofrecida aquella inolvidable noche... el público vibraba, estábamos realmente conectados con lo que sucedía sobre el escenario... esta vez si se apreciaba a la gente en sintonía con la banda, gritando y coreando las canciones, a diferencia del pasado concierto de Duran Duran... probablemente la propuesta musical tenga que ver en la reacción de los asistentes, este show fue mucho más enérgico... no sólo había gente de la escena sino también público muy joven disfrutando de la música... luego de Head On, continuaron con otra de sus clásicas de los Noventa, Far Gone And Out (el hit del album Honey's Dead, 1992), y luego otra más del Automatic, Between Planets... de hecho las canciones elegidas para el inicio del Set List en todas las últimas presentaciones, son dirigidas más al público ganado a partir del disco Automatic (1989) y en adelante, es decir, al público de los primeros años Noventa y la generación captada a través de los medios masivos como el MTV. Probablemente Automatic y los discos posteriores sean de mayor agrado para los Reid, pues es en esta etapa cuando la música de la banda logró acceder al público Norteamericano, y como ya lo he expresado en la biografía, el disco Automatic es pues un disco que casi rinde tributo a los artistas Norteamericanos que les han servido de influencia... Blues From A Gun, el siguiente tema interpretado notablemente por los Jesus And Mary Chain encierra esa propuesta de la que hablo... luego de un correcto Teenage Lust (del Honey's Dead) dieron inicio al clásico Sidewalking de 1988, canción que es justamente la transición a su sonido más melódico y menos crudo aunque basado en la potencia. La interpretación de Sidewalking fue regular, algo pesada y con algunas imprecisiones... De aquí en adelante estuve dando vueltas por la zona VIP desde donde pude apreciar el local totalmente lleno y con un público realmente conectado... el ambiente que se vivía en las zonas del primer nivel estaba mucho más encendido, era evidente... en la zona VIP la gente estaba simplemente espectando el concierto sin integrarse del mismo modo, es una opinión después de todo..
Luego se sucedieron canciones como Cracking Up (del Munki, 1998), All Things y un notable Some Candy Talking, también la clásica Happy When It Rains (primera canción de la noche del disco Darklands, 1987), la maravillosa Taste Of Cindy (del Psychocandy, 1985), Halfway To Crazy (una vez más otra pista del Automatic, disco al que recurrieron con mayor frecuencia), Kennedy Song, y la esperadísima gema Just Like Honey, canción con la cual la banda se despidió por algunos minutos... Just Like Honey la corearon muchos a morir..
El único encore que nos regalaron fue con 9 Million Rainy Days (del Darklands) cerrando la noche con una destacable versión de Reverence del disco Hone's Dead.
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Si bien es cierto nos ofrecieron un buen set list y algunas canciones notables, es evidente que faltó aquel retorno a las raíces que esperabamos algunos quienes los seguimos desde los años ochenta... tal vez un Encore más explosivo y las clásicas que muchos esperábamos del Psychocandy habrían hecho de la noche el concierto soñado... Psychocandy fue el disco olvidado y del que al parecer ya han prescindido en sus nuevas presentaciones dirigidas a un público que los conoció seguramente a través del MTV y no por la prensa sensacionalista británica de 1985-87... En mi opinión, me quedo definitivamente con la crudeza del Psychocandy y la sencillez melódica del Darklands. Pese a las omisiones, el concierto fue de primera, de gran nivel y de lo mejor que se ha visto en Lima..
Las imperdonables omisiones de la noche:
Upside Down, NEVER UNDERSTAND!!!, Happy Place, IN A HOLE!!!, YOU TRIP ME UP!!!, Kill Surf City... con esas reventaban el Scencia...
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Luego del concierto los Hermanos Reid dejaron colgado a su público. No se quedaron con sus fans por algunos minutos, como se había previsto en un posible after-party.
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Acabado el concierto todo el público abandonó el local... al final nos quedamos unas 30 personas quienes estuvimos en el backstage con Loz Colbert, Philip King, Robin Guthrie y la gente de Resplandor y Catervas.
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Felicitaciones Automatic Entertainment por la acogida del evento y por los tres años brindándonos artistas de nivel.
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.ROBIN GUTHRIE - crónica de la performance - 05 de Noviembre 2008 - Centro Cultural de España, Lima
Por Eduardo Lenti
La noche de la presentación de Robin Guthrie en el Centro Cultural de España me fue algo accidentada...
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Se había anunciado el evento para las 8:00 P.M. Lo que no tomé en cuenta, por desconocimiento, fue que repartirían tickets para el ingreso, y por ello no habría cola sino que se daría estos tíckets a los asistentes de la muestra de fotografías que se estaban exponiendo en los salones... Yo llegué a las 7:30 PM. Para esa hora ya había una buena cantidad de público y se había repartido la totalidad de los tickets... la capacidad del auditorio es de 200 personas y la cantidad aproximada de público que convocó esta presentación fue de aproximadamente 250 personas, pese a la escaza difusión que tuvo.
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El ingreso al auditorio fue a las 8:30, así que durante ese tiempo, algunos aprovechamos en ver algunas de las fotografías que se exponían también esa noche. Se trataba de la expocisión 'Viaje Al Sol' del fotógrafo español Juan Manuel Castro Prieto con 88 imágenes en blanco y negro capturadas en sus viajes en diferentes zonas del Perú y quien finalmente se convirtió en mi único boleto de ingreso para el recital de Robin Guthrie... en efecto, todos los asistentes pasaron, de forma algo desordenada pues se llamaba por número de tickets de uno en uno... quienes estuvimos en la cola de los 'sin ticket' quedamos fuera casi todos, asi que no me quedó otra que escuchar a Robin Guthrie desde afuera del auditorio y el desarrollo de la musicalización creada por Guthrie para la película 3:19, en tanto bebía alguna copa de vino que amablemente pasaron para todos quienes estuvimos en los salones observando la muestra. Luego de algunos minutos llegó Toño Zelada con el bajista Philip King (ex-Lush) y el baterista Loz Colbert (ex-Ride) de The Jesus And Mary Chain con quienes se quedó por algún tiempo escuchando a Guthrie. Los hermanos Reid no asistieron. Se quedaron en el Hotel con Cucho Peñaloza preparando la entrevista que publicó el portal de Terra.
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Finalmente logré ingresar al auditorio aproximadamente a la mitad del recital y en efecto, estaba repleto. La música que nos ofreció Guthrie, muy a su estilo, se trató de melodías loopedas, capas de guitarra superpuestas, es decir loops creados en el mismo momento con algunas bases rítmicas pre-grabadas... el sonido, a mi parecer se aproximaba mucho al sonido de Cocteau Twins de la época del The Moon And The Melodies, de Oomingmak, e inclusive con algunos chispazos del Heaven Or Las Vegas. Odio la comparación pero en este caso me es inevitable... es cierto, inevitable dejar de pensar en Cocteau Twins debido a la similitud de algunos intro que me sonaron familiares, y es que, como ya lo he expresado, la música que nos ofrece Guthrie en la actualidad es en esencia Cocteau Twins. Será difícil que Guthrie se saque de encima la sombra del pasado pero es su estilo el que marcó a su banda y el que mantine aún con ligeras variaciones algo más vanguardistas... algunos comentaron que lo escuchado la noche de ayer se parecía mucho a lo que ofreció Guthrie en la presentación de Lumiere el pasado 2007 en el teatro Julieta... a mi gusto, insisto, esta vez me sonó mucho más a Cocteau Twins. De cualquier modo estuve a un lado del auditorio en sintonía con su música... es uno de los pocos músicos, sino el único de los que han visitado Lima, que ha logrado provocarme emoción con semejantes sinfonías casi celestiales... a algunos les sonará exagerado, lo imagino, pero es lo menos que podría decir de su música.
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Las imágenes que se mostraron en el écram tenían los colores característicos de las cubiertas de la 4AD, jugando más con las tonalidades que van del amarillo al naranja, y con recuadros superpuestos, todo sincronizado milimétricamente con la música en tiempo real... inclusive reconocí algunas transiciones que nos ofrece el programa Vegas para remezclar imágenes que probablemente el propio Guthrie preparó, pues es un artista audio-visual y a través de las imágenes que él nos sugiere intenta integrar ambos aspectos para reflejar un mensaje más completo. La música pra este Soundtrack es como todo lo que hace Guthrie, altamente recomendable.
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Acabada la presentación en el auditorio, todo el público lo ovacionó calurosamente, muchísimo más que en la presentación de Lumiere... había más que aplausos del público, también respeto, cariño y admiración. Guthrie terminó su presentación muy satisfecho por la gran respuesta de su público.
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Hacia el final permanecimos por algún tiempo en los salones con la intención de robarle algunos momentos a Guthrie, y así fue, logramos tomarnos algunas fotos en una pequeña habitación al final de corredor. Éramos unas 15 personas.
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Fue una nueva y agradable experiencia poder disfrutar del talento del maestro quien se mostró amable y sencillo con todo su público, como siempre.
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Se había anunciado el evento para las 8:00 P.M. Lo que no tomé en cuenta, por desconocimiento, fue que repartirían tickets para el ingreso, y por ello no habría cola sino que se daría estos tíckets a los asistentes de la muestra de fotografías que se estaban exponiendo en los salones... Yo llegué a las 7:30 PM. Para esa hora ya había una buena cantidad de público y se había repartido la totalidad de los tickets... la capacidad del auditorio es de 200 personas y la cantidad aproximada de público que convocó esta presentación fue de aproximadamente 250 personas, pese a la escaza difusión que tuvo.
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El ingreso al auditorio fue a las 8:30, así que durante ese tiempo, algunos aprovechamos en ver algunas de las fotografías que se exponían también esa noche. Se trataba de la expocisión 'Viaje Al Sol' del fotógrafo español Juan Manuel Castro Prieto con 88 imágenes en blanco y negro capturadas en sus viajes en diferentes zonas del Perú y quien finalmente se convirtió en mi único boleto de ingreso para el recital de Robin Guthrie... en efecto, todos los asistentes pasaron, de forma algo desordenada pues se llamaba por número de tickets de uno en uno... quienes estuvimos en la cola de los 'sin ticket' quedamos fuera casi todos, asi que no me quedó otra que escuchar a Robin Guthrie desde afuera del auditorio y el desarrollo de la musicalización creada por Guthrie para la película 3:19, en tanto bebía alguna copa de vino que amablemente pasaron para todos quienes estuvimos en los salones observando la muestra. Luego de algunos minutos llegó Toño Zelada con el bajista Philip King (ex-Lush) y el baterista Loz Colbert (ex-Ride) de The Jesus And Mary Chain con quienes se quedó por algún tiempo escuchando a Guthrie. Los hermanos Reid no asistieron. Se quedaron en el Hotel con Cucho Peñaloza preparando la entrevista que publicó el portal de Terra.
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Finalmente logré ingresar al auditorio aproximadamente a la mitad del recital y en efecto, estaba repleto. La música que nos ofreció Guthrie, muy a su estilo, se trató de melodías loopedas, capas de guitarra superpuestas, es decir loops creados en el mismo momento con algunas bases rítmicas pre-grabadas... el sonido, a mi parecer se aproximaba mucho al sonido de Cocteau Twins de la época del The Moon And The Melodies, de Oomingmak, e inclusive con algunos chispazos del Heaven Or Las Vegas. Odio la comparación pero en este caso me es inevitable... es cierto, inevitable dejar de pensar en Cocteau Twins debido a la similitud de algunos intro que me sonaron familiares, y es que, como ya lo he expresado, la música que nos ofrece Guthrie en la actualidad es en esencia Cocteau Twins. Será difícil que Guthrie se saque de encima la sombra del pasado pero es su estilo el que marcó a su banda y el que mantine aún con ligeras variaciones algo más vanguardistas... algunos comentaron que lo escuchado la noche de ayer se parecía mucho a lo que ofreció Guthrie en la presentación de Lumiere el pasado 2007 en el teatro Julieta... a mi gusto, insisto, esta vez me sonó mucho más a Cocteau Twins. De cualquier modo estuve a un lado del auditorio en sintonía con su música... es uno de los pocos músicos, sino el único de los que han visitado Lima, que ha logrado provocarme emoción con semejantes sinfonías casi celestiales... a algunos les sonará exagerado, lo imagino, pero es lo menos que podría decir de su música.
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Las imágenes que se mostraron en el écram tenían los colores característicos de las cubiertas de la 4AD, jugando más con las tonalidades que van del amarillo al naranja, y con recuadros superpuestos, todo sincronizado milimétricamente con la música en tiempo real... inclusive reconocí algunas transiciones que nos ofrece el programa Vegas para remezclar imágenes que probablemente el propio Guthrie preparó, pues es un artista audio-visual y a través de las imágenes que él nos sugiere intenta integrar ambos aspectos para reflejar un mensaje más completo. La música pra este Soundtrack es como todo lo que hace Guthrie, altamente recomendable.
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Acabada la presentación en el auditorio, todo el público lo ovacionó calurosamente, muchísimo más que en la presentación de Lumiere... había más que aplausos del público, también respeto, cariño y admiración. Guthrie terminó su presentación muy satisfecho por la gran respuesta de su público.
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Hacia el final permanecimos por algún tiempo en los salones con la intención de robarle algunos momentos a Guthrie, y así fue, logramos tomarnos algunas fotos en una pequeña habitación al final de corredor. Éramos unas 15 personas.
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Fue una nueva y agradable experiencia poder disfrutar del talento del maestro quien se mostró amable y sencillo con todo su público, como siempre.
.viernes 31 de octubre de 2008
ROBIN GUTHRIE EN LIMA - NOVIEMBRE 05, 2008 - Presentación del Soundtrack del film Español 3:19 - performance por Guthrie - Centro Cultural de España
Este Miércoles 05 tendremos por segunda vez en Lima a Robin Guthrie presentando la musicalización de la película 3:19...
Guthrie es responsable de la existencia del Dream-Pop sin más ni más. Inigualable creador en Cocteau Twins, notable productor y poseedor de una impecable discografía solista.
Presentación del soundtrack de la película española 3:19 con performance en vivo de Robin Guthrie (Cocteau Twins) quien es el compositor e intérprete de toda la musicalización del film.
El CD es editado para Sudamérica por Automatic Entertainment
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INFO 3:19 www.319lapelicula.com
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Miercoles 05 de Noviembre, 2008
8 P.M.
Centro Cultural de España en Lima
Av. Natalio Sanchez 181, frente a la Plaza Washington
Altura cdra. 6 de la Av. Arequipa
Ingreso Libre
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THE JESUS AND MARY CHAIN EN LIMA - NOVIEMBRE 06, 2008 - Centro de Convenciones Scencia, La Molina
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THE JESUS & MARY CHAIN en Lima
THE JESUS & MARY CHAIN en LimaInvitados: Resplandor / Catervas
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Jueves 6 de Noviembre
en el Centro de Convenciones Scencia
(AV. LA MOLINA cuadra 11, LA MOLINA, intersección Av. Javier Prado)
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Venta de entradas
Venta de entradas
Entradas a la venta en Teleticket de Wong y Metro
a partir del sabado 13 de Septiembre
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Mas información sobre Jesus & Mary Chain en
Mas información sobre Jesus & Mary Chain en
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Mas información sobre Resplandor en
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Mas información sobre Catervas en
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THE JESUS AND MARY CHAIN en Lima - Noviembre 06, 2008
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El próximo Jueves 06 de Noviembre tendremos la visita de una banda sumamente importante, THE JESUS AND MARY CHAIN, quienes sentaron las bases del Noise a mediados de los años Ochenta revitalizando toda la escena británica, y de esta manera pasaron a ser uno de los grupos más influenciales de todos los tiempos y referente ineludible de las últimas generaciones no sólo Shoegaze, sino del Indie en general.
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THE JESUS AND MARY CHAIN viene con los hermanos Reid que son el núcleo de la banda desde siempre... además traen al experimentado baterista de Ride, Loz Colbert y el segundo bajista de Lush, Philip King... sin duda una formación de lujo... y corren los rumores y cada vez se hacen más fuertes... aunque no está confirmado, parece que Robin Guthrie subirá al escenario... me aventuro a decirlo, pero me parece que así será... y abriendo el concierto tendremos a Resplandor y Catervas.
Algo más, somos afortunados al tener en Lima a una formación de semejante peso, y no como parte de un festival como ocurre en los otros países de la zona...
Algo más, somos afortunados al tener en Lima a una formación de semejante peso, y no como parte de un festival como ocurre en los otros países de la zona...
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A continuación les dejo una biografía que preparé hace algún tiempo con apreciaciones particulares y por supuesto, los mejores discos para adentrarnos más en su música. Si gustas de alguno ya sabes, compra los originales... el día del concierto habrá material original disponible en el mismo local, además de souvenir...
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THE JESUS & MARY CHAIN: LOS PADRES DEL NOISE
Por Eduardo Lenti
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Considerada en sus inicios la banda británica más revolucionaria desde los Sex Pistols. Los Jesus & Mary Chain ganaron la atención de la prensa debido fundamentalmente a la violencia que generaban en sus shows. Y es que su hiriente sonido recubierto por considerables capas de ruido fue inicialmente rechazado por no pocos de sus curiosos espectadores quienes provocaban sobre ellos lluvias con latas de cerveza, escupitajos, e insultos que los hermanos Reid se encargaban de responder con violencia.
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Según sus propias declaraciones, ellos retomaron la actitud del Punk británico con arrogancia e irreverencia, provocando destrozos en las breves presentaciones que ofrecían, escándalos en la prensa, e insultos que propinaban a los artistas impuestos por la industria, y por último, arrestos por posesión de drogas. Tal y como sucedió con otras bandas, los hermanos Reid supieron sacar provecho de los tiempos que les tocó vivir manejando a los medios a su antojo y pasando a ser cabezas de una nueva generación.
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Ciertamente redimensionaron al Pop británico conceptualizándolo, y fortaleciendo propuestas como las de Creation Records (y su revalorización a la primera era Psicodélica norteamericana) con sus revivals. Combinando la ingenuidad, dulzura, frescura y espontaneidad de sus melodías, con acoples, paredes de feedback y chirridos de guitarra, y marcando con ello el nacimiento de la llamada Noise de los últimos ochenta.
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El grupo fue formado en Marzo de 1984 por Jim Reid (voz, guitarra) y William Reid (guitarra, voz). Provenientes de la ciudad de Glasgow, Escocia, se desplazaron a Londres, Inglaterra, cargados con algunos demos caseros grabados en su propio porta-estudio. La banda se completaría con Douglas Hart (bajo) y Murray Dalglish (batería).
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Tras el contacto con Alan McGee, propietario de Creation Records (la escuela de talentos), aparece la primera rodaja vinílica, el single debut Upside Down lanzado en Noviembre de 1984, producido por ‘Slaughter’ Joe Foster, viejo amigo de McGee. En Febrero de 1985 llegarían con este primer single al tope del chart independiente por dos semanas.
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Cabe señalar que por aquel tiempo McGee les había conseguido los servicios de un nuevo batería, Bobby Gillespie, el mismo que sería fundador de los Primal Scream poco después.
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Tras el impacto de sus presentaciones, McGee negoció el traspaso de su fichaje a Blanco y Negro, sello subsidiario de WEA, desde donde emprenderían su despegue definitivo.
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Precediendo al primer disco largo aparecieron: el single Never Understand en Marzo, con el cual ingresan por primera vez a la lista general británica (# 47), el maxi You Trip Me Up (# 55) en Junio, y otro maxi en Octubre conteniendo la delicada Just Like Honey (# 45), sin duda, un valioso precedente de ingenuidad y sencillez melódica, características que marcarían la escena británica de la segunda mitad de los ochenta.
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PSYCHOCANDY (1985), el esperado primer album aparecido en Noviembre recopilando material producido por los hermanos Reid en cuatro años desde su Escocia natal, estuvo repleto de hermosas melodías Pop (Taste Of Cindy, The Living End, In A hole, Cut Dead), ocultas bajo una cortina de ruido producido por acoples, es decir, feedback, o lo que es lo mismo, por el fenómeno de re-alimentación generado entre el amplificador y la guitarra. Las influencias de su sonido fueron básicamente las del Rock norteamericano. El Rock And Roll de Bo Diddley, el Surf de Jan & dean, de los Tornadoes y de los Beachboys, el Garage Psicodélico de los 13th Floor Elevators y de la Velvet Underground, el Rock And Roll neoyorkino de los setenta... Suicide, Television y Ramones, entre otros.
Por Eduardo Lenti
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Considerada en sus inicios la banda británica más revolucionaria desde los Sex Pistols. Los Jesus & Mary Chain ganaron la atención de la prensa debido fundamentalmente a la violencia que generaban en sus shows. Y es que su hiriente sonido recubierto por considerables capas de ruido fue inicialmente rechazado por no pocos de sus curiosos espectadores quienes provocaban sobre ellos lluvias con latas de cerveza, escupitajos, e insultos que los hermanos Reid se encargaban de responder con violencia.
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Según sus propias declaraciones, ellos retomaron la actitud del Punk británico con arrogancia e irreverencia, provocando destrozos en las breves presentaciones que ofrecían, escándalos en la prensa, e insultos que propinaban a los artistas impuestos por la industria, y por último, arrestos por posesión de drogas. Tal y como sucedió con otras bandas, los hermanos Reid supieron sacar provecho de los tiempos que les tocó vivir manejando a los medios a su antojo y pasando a ser cabezas de una nueva generación.
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Ciertamente redimensionaron al Pop británico conceptualizándolo, y fortaleciendo propuestas como las de Creation Records (y su revalorización a la primera era Psicodélica norteamericana) con sus revivals. Combinando la ingenuidad, dulzura, frescura y espontaneidad de sus melodías, con acoples, paredes de feedback y chirridos de guitarra, y marcando con ello el nacimiento de la llamada Noise de los últimos ochenta.
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El grupo fue formado en Marzo de 1984 por Jim Reid (voz, guitarra) y William Reid (guitarra, voz). Provenientes de la ciudad de Glasgow, Escocia, se desplazaron a Londres, Inglaterra, cargados con algunos demos caseros grabados en su propio porta-estudio. La banda se completaría con Douglas Hart (bajo) y Murray Dalglish (batería).
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Tras el contacto con Alan McGee, propietario de Creation Records (la escuela de talentos), aparece la primera rodaja vinílica, el single debut Upside Down lanzado en Noviembre de 1984, producido por ‘Slaughter’ Joe Foster, viejo amigo de McGee. En Febrero de 1985 llegarían con este primer single al tope del chart independiente por dos semanas.
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Cabe señalar que por aquel tiempo McGee les había conseguido los servicios de un nuevo batería, Bobby Gillespie, el mismo que sería fundador de los Primal Scream poco después.
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Tras el impacto de sus presentaciones, McGee negoció el traspaso de su fichaje a Blanco y Negro, sello subsidiario de WEA, desde donde emprenderían su despegue definitivo.
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Precediendo al primer disco largo aparecieron: el single Never Understand en Marzo, con el cual ingresan por primera vez a la lista general británica (# 47), el maxi You Trip Me Up (# 55) en Junio, y otro maxi en Octubre conteniendo la delicada Just Like Honey (# 45), sin duda, un valioso precedente de ingenuidad y sencillez melódica, características que marcarían la escena británica de la segunda mitad de los ochenta.
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PSYCHOCANDY (1985), el esperado primer album aparecido en Noviembre recopilando material producido por los hermanos Reid en cuatro años desde su Escocia natal, estuvo repleto de hermosas melodías Pop (Taste Of Cindy, The Living End, In A hole, Cut Dead), ocultas bajo una cortina de ruido producido por acoples, es decir, feedback, o lo que es lo mismo, por el fenómeno de re-alimentación generado entre el amplificador y la guitarra. Las influencias de su sonido fueron básicamente las del Rock norteamericano. El Rock And Roll de Bo Diddley, el Surf de Jan & dean, de los Tornadoes y de los Beachboys, el Garage Psicodélico de los 13th Floor Elevators y de la Velvet Underground, el Rock And Roll neoyorkino de los setenta... Suicide, Television y Ramones, entre otros.
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Tras la marcha de Bobby Gillespie, los Reid replantearon su propuesta, suavizándola. Es más, prescindiendo de su diferenciador ruido que los encumbró apenas unos meses antes. Es bajo ese entorno cuando aparece en Agosto de 1986 el single Some Candy Talking (# 13) como anticipo del nuevo camino trazado, basado en la riqueza melódica.
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DARKLANDS (1987), el segundo album, estuvo predominado por bellos y dulces paisajes otoñales. Se trataba de un delicado disco electro-acústico, algo sombrío y tierno a la vez. Happy When It Rains, April Skies, Darklands y Cherry Come Too fueron algunos de los momentos más inspirados.
Tras la marcha de Bobby Gillespie, los Reid replantearon su propuesta, suavizándola. Es más, prescindiendo de su diferenciador ruido que los encumbró apenas unos meses antes. Es bajo ese entorno cuando aparece en Agosto de 1986 el single Some Candy Talking (# 13) como anticipo del nuevo camino trazado, basado en la riqueza melódica.
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DARKLANDS (1987), el segundo album, estuvo predominado por bellos y dulces paisajes otoñales. Se trataba de un delicado disco electro-acústico, algo sombrío y tierno a la vez. Happy When It Rains, April Skies, Darklands y Cherry Come Too fueron algunos de los momentos más inspirados.
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Tras el recopilatorio de caras B y Out Takes llamado BARBED WIRE KISSES (1988) editado en Abril, y del nuevo single Sidewalking con su prolongado e hipnótico guitarreado final, llegó el tributo a sus raíces, al Rock norteamericano claro está, plasmado en AUTOMATIC (1989) con su contagiante rítmica y sus prolongadas y sostenidas notas. Un disco evidentemente más eléctrico y enérgico, con el que logran sobresalir en el mercado norteamericano. Blues From A gun, Between Planets, Coast To Coast, la popular Head On (re-transformada luego por los Pixies), y Here Comes Alice los mantuvieron a flote, reforzando sus exitosas giras con el lanzamiento del obligado video recopilatorio.
Tras el recopilatorio de caras B y Out Takes llamado BARBED WIRE KISSES (1988) editado en Abril, y del nuevo single Sidewalking con su prolongado e hipnótico guitarreado final, llegó el tributo a sus raíces, al Rock norteamericano claro está, plasmado en AUTOMATIC (1989) con su contagiante rítmica y sus prolongadas y sostenidas notas. Un disco evidentemente más eléctrico y enérgico, con el que logran sobresalir en el mercado norteamericano. Blues From A gun, Between Planets, Coast To Coast, la popular Head On (re-transformada luego por los Pixies), y Here Comes Alice los mantuvieron a flote, reforzando sus exitosas giras con el lanzamiento del obligado video recopilatorio.
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Los lanzamientos posteriores que nos ofrecieron los Jesus & Mary Chain, no estuvieron muy alejados de la propuesta del Automatic. HONEY’S DEAD (1992), tuvo como mayor atractivo el caos sonoro controlado y los ritmos sincopados del after-House. Far Gone And Out, Reverence, Teenage Lust, y la preciosista acústica de Almost Gold les devolvieron la vida como un fresco soplo. Para la ocasión, incorporaron al sobresaliente batería Monti, procedente de las filas de Curve. Discos como STONED & DETHRONED (1994), HATE ROCK N ROLL (1995) y MUNKI (1998) los mantuvieron vigentes por algún tiempo, ciertamente a costa de copiarse a sí mismos.
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The Jesus And Mary Chain dejaron de actuar en vivo en 1998 presentando su disco Munki. Desde entonces la banda pasó a mejor vida, pero el año pasado fueron tentados para una reunión en el Coachella Festival 2007 encabezando el cartél...
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The Jesus And Mary Chain dejaron de actuar en vivo en 1998 presentando su disco Munki. Desde entonces la banda pasó a mejor vida, pero el año pasado fueron tentados para una reunión en el Coachella Festival 2007 encabezando el cartél...
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Por todo lo antes dicho, todo un lujo tenerlos en Lima.
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TODO SOBRE ESTE EVENTO EN:
www.automatic.com.pe
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lunes 27 de octubre de 2008
BRIAN ENO - COLORISMO SONORO Y AMBIENTAL
Por Eduardo Lenti
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Para Brian Eno, su paso por Roxy Music y su fundamental contribución en los dos discos iniciales fue, más que una experiencia, un recurso para circular su nombre a través de los medios de difusión, ganándose el prestigio que anhelaba, y claro, las libras suficientes como para atreverse con los experimentos vanguardistas que maquinaba desde los tiempos con los Roxy Music e incluso antes.
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Sus inicios se remontan a 1966, recibiendo educación en la escuela de arte de Winchester, época en la que se describía asimismo como no-músico.
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En 1968 publicó su libro Music for non Musicians, donde sostuvo que para hacer música, no era necesario disponer de conocimientos técnicos, idea que poco más tarde sería también recogida por el movimiento Punk-Rock con su reivindicación del amateurismo. Luego trabajó con compositores de la élite culta contemporánea como Cornelius Cardew y Christian Wolf. También estuvo ligado al arte conceptual, haciendo exposiciones de pintura y organizando happenings al estilo de Andy Warhol. Construyó inclusive sus propias esculturas musicales.
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Brian Eno fue inicialmente el técnico de sonido de Roxy Music. Poco después se ocuparía de los sintetizadores y cintas de efectos. Así se publica el muy influencial primer album ROXY MUSIC (1972) con tratamientos a base de electrónica (magnífica The Bob) parida por el cerebro de Eno, combinando Psicodelia y Glam, con sesibilidad Pop (Ladytron, Sea Breezes), pero el éxito del grupo fue más allá de los plásticos editados. Sus shows fueron todo un espectáculo en donde Eno se robaba la atención de público y prensa especializada, debido a su look colorido de plumas y cabellos teñidos, llegando incluso a opacar al líder Bryan Ferry en las entrevistas y fotografías. Virginia Plain fue el primer hit de la banda (#4). Poco después, los singles Pyjamarama y Street Life llegarían al Top 10 durante 1973. Por entonces, el aparente protagonismo de Eno iba en aumento.
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Sus inicios se remontan a 1966, recibiendo educación en la escuela de arte de Winchester, época en la que se describía asimismo como no-músico.
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En 1968 publicó su libro Music for non Musicians, donde sostuvo que para hacer música, no era necesario disponer de conocimientos técnicos, idea que poco más tarde sería también recogida por el movimiento Punk-Rock con su reivindicación del amateurismo. Luego trabajó con compositores de la élite culta contemporánea como Cornelius Cardew y Christian Wolf. También estuvo ligado al arte conceptual, haciendo exposiciones de pintura y organizando happenings al estilo de Andy Warhol. Construyó inclusive sus propias esculturas musicales.
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Brian Eno fue inicialmente el técnico de sonido de Roxy Music. Poco después se ocuparía de los sintetizadores y cintas de efectos. Así se publica el muy influencial primer album ROXY MUSIC (1972) con tratamientos a base de electrónica (magnífica The Bob) parida por el cerebro de Eno, combinando Psicodelia y Glam, con sesibilidad Pop (Ladytron, Sea Breezes), pero el éxito del grupo fue más allá de los plásticos editados. Sus shows fueron todo un espectáculo en donde Eno se robaba la atención de público y prensa especializada, debido a su look colorido de plumas y cabellos teñidos, llegando incluso a opacar al líder Bryan Ferry en las entrevistas y fotografías. Virginia Plain fue el primer hit de la banda (#4). Poco después, los singles Pyjamarama y Street Life llegarían al Top 10 durante 1973. Por entonces, el aparente protagonismo de Eno iba en aumento.
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FOR YOUR PLEASURE (1973) continuó brindando a la banda más hits, estableciéndolos como parte de lo mejor de la música británica de la época.
FOR YOUR PLEASURE (1973) continuó brindando a la banda más hits, estableciéndolos como parte de lo mejor de la música británica de la época.
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Luego de su etapa en los Roxy Music, de Enero de 1971 a Julio de 1973, Eno dio rienda suelta a sus ideas vanguardistas grabando junto a Robert Fripp (líder de King Crimson), el album NO PUSSYFOOTING (1973) que contenía dos piezas construidas sobre bases cíclicas, con cintas y loops de Eno, en donde Fripp imprimía guitarreados que parecían hablar. El disco mostraba una portada glacial, en la que aparecía una habitación de espejos azules y los músicos posando como maniquís. Seguramente, la influencia de la música cósmica alemana de aquel 1973 tuvo su aporte. Eno, incluso reconoció por entonces a bandas como CAN, Neu! y Kraftwerk, como las generadoras de sus piezas predilectas. Y no olvidemos sus trabajos posteriores con el grupo Cluster.
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En Marzo de 1974 aparece el primer album solista de Eno, HERE COME THE WARM JETS, que alcanza la posición 26 del chart británico. En él, Fripp y Manzanera se encargan de las guitarras. El sonido de este disco aún está influenciado por el de los iniciales trabajos de los Roxy Music. Son especialmente interesantes: Needles In The Camel's Eye, Baby's On Fire, Driving Me Backwards, y la apacible Dead Finks Don't Talk.
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El 1ero. de Junio del mismo año, Eno participa del show que se ofreció en el Rainbow Theatre de Londres junto a John Cale, Kevin Ayers y Nico, entre otros, el mismo que fuera grabado y lanzado con el nombre de JUNE 1st, 1974 (1974).
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En Noviembre llega a las tiendas el segundo disco solo de Eno, TALKING TIGER MOUNTAIN (BY STRATEGY) (1974), de similar propuesta respecto a la del primero, aunque de mayor madurez, sería incluso, punto de referencia indispensable para muchas bandas en el futuro, las mismas que covijadas bajo la bandera de la New Wave, iniciarían sus correrías a partir de su audición. Participaron Manzanera en guitarras y Robert Wyatt en percusiones. Sobresalían Mother Whale Eyeless con sus meticulosos cambios constantes en su base rítmica (la ritmicidad desdibujaba constantemente el fondo, propiciando la aplicación de diversas tonalidades marcadas por las guitarras), The Great Pretender y sus cuerdas llorosas recordando ciertos parajes de la América Central, con la inclusión de varias guitarras haciendo contrapunto en un destacable trabajo de barroquismo sonoro. Third Uncle resultó ser una pieza potente cuya arma estuvo controlada por la distorsión de sus culebreantes guitarras, las que Posteriormente, Daniel Ash (como miembro de Bauhaus) se encargaría de recubrir con capas de ruido.
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1975 fue un año clave en la carrera de Eno. Participó en los albums de John Cale (Slow Dazzle de Abril, y Helen Of Troy de Noviembre), Phil Manzanera (Diamond Head), y Robert Wyatt (Ruth Is Stranger Than Richard). También produjo a Robert Calvert en su disco Lucky Lief And The Longships. Toda esa ensalada de sonidos y la experiencia ganada, fue la que aplicó en la realización de su tercer disco ANOTHER GREEN WORLD (1975) con el que logra un sonido más progresivo y a la vez muy ambiental predominado por las piezas instrumentales. Sería precisamente el trabajo de transición y el embrión que conduciría a sus futuras maquinaciones. Sobresalen In Dark Trees, The Big Ship, Sombre Reptiles, Becalmed y Zawinful/Lava, todas ellas instrumentales. Entre los músicos participantes figuraban Fripp en cuerdas y Cale con su característica viola.
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En la misma época también apareció EVENING STAR (1975), segundo album de la colaboración Eno/Fripp de similar concepción al primero, aunque en un sentido más cercano al de aquella música denominada planeadora, practicada entonces por algunos no pocos músicos germanos. La influencia de aquellos, sumada a las de King Crimson (la banda más influyente e innovadora del progresismo inglés), són las que se aplicaron en los surcos de este imprescindible experimento.
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El año 1975 terminó con la creación de su propio sello Obscure Records, que le permitió mayor libertad en la edición de sus trabajos conceptuales, tal es el caso del influencial DISCREET MUSIC (1975), disco que marca el inicio de la definitiva nueva fase de Eno, una fase mucho más ligada a la experimentación de piezas instrumentales de atmósferas etéreas, surrealistas, y sumamente minimalistas. La extensa pieza de 30’ del primer lado es un buen ejemplo. En el reverso, Eno mostraba su rostro más intelectual en tres piezas de corte clasicista (con sección de violines incluida) para un resultado evidentemente más sinfónico que recordaba un tanto, la propuesta de algunas bandas de Hyperium de los primeros noventa.
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En Marzo de 1974 aparece el primer album solista de Eno, HERE COME THE WARM JETS, que alcanza la posición 26 del chart británico. En él, Fripp y Manzanera se encargan de las guitarras. El sonido de este disco aún está influenciado por el de los iniciales trabajos de los Roxy Music. Son especialmente interesantes: Needles In The Camel's Eye, Baby's On Fire, Driving Me Backwards, y la apacible Dead Finks Don't Talk.
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El 1ero. de Junio del mismo año, Eno participa del show que se ofreció en el Rainbow Theatre de Londres junto a John Cale, Kevin Ayers y Nico, entre otros, el mismo que fuera grabado y lanzado con el nombre de JUNE 1st, 1974 (1974).
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En Noviembre llega a las tiendas el segundo disco solo de Eno, TALKING TIGER MOUNTAIN (BY STRATEGY) (1974), de similar propuesta respecto a la del primero, aunque de mayor madurez, sería incluso, punto de referencia indispensable para muchas bandas en el futuro, las mismas que covijadas bajo la bandera de la New Wave, iniciarían sus correrías a partir de su audición. Participaron Manzanera en guitarras y Robert Wyatt en percusiones. Sobresalían Mother Whale Eyeless con sus meticulosos cambios constantes en su base rítmica (la ritmicidad desdibujaba constantemente el fondo, propiciando la aplicación de diversas tonalidades marcadas por las guitarras), The Great Pretender y sus cuerdas llorosas recordando ciertos parajes de la América Central, con la inclusión de varias guitarras haciendo contrapunto en un destacable trabajo de barroquismo sonoro. Third Uncle resultó ser una pieza potente cuya arma estuvo controlada por la distorsión de sus culebreantes guitarras, las que Posteriormente, Daniel Ash (como miembro de Bauhaus) se encargaría de recubrir con capas de ruido.
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1975 fue un año clave en la carrera de Eno. Participó en los albums de John Cale (Slow Dazzle de Abril, y Helen Of Troy de Noviembre), Phil Manzanera (Diamond Head), y Robert Wyatt (Ruth Is Stranger Than Richard). También produjo a Robert Calvert en su disco Lucky Lief And The Longships. Toda esa ensalada de sonidos y la experiencia ganada, fue la que aplicó en la realización de su tercer disco ANOTHER GREEN WORLD (1975) con el que logra un sonido más progresivo y a la vez muy ambiental predominado por las piezas instrumentales. Sería precisamente el trabajo de transición y el embrión que conduciría a sus futuras maquinaciones. Sobresalen In Dark Trees, The Big Ship, Sombre Reptiles, Becalmed y Zawinful/Lava, todas ellas instrumentales. Entre los músicos participantes figuraban Fripp en cuerdas y Cale con su característica viola.
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En la misma época también apareció EVENING STAR (1975), segundo album de la colaboración Eno/Fripp de similar concepción al primero, aunque en un sentido más cercano al de aquella música denominada planeadora, practicada entonces por algunos no pocos músicos germanos. La influencia de aquellos, sumada a las de King Crimson (la banda más influyente e innovadora del progresismo inglés), són las que se aplicaron en los surcos de este imprescindible experimento.
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El año 1975 terminó con la creación de su propio sello Obscure Records, que le permitió mayor libertad en la edición de sus trabajos conceptuales, tal es el caso del influencial DISCREET MUSIC (1975), disco que marca el inicio de la definitiva nueva fase de Eno, una fase mucho más ligada a la experimentación de piezas instrumentales de atmósferas etéreas, surrealistas, y sumamente minimalistas. La extensa pieza de 30’ del primer lado es un buen ejemplo. En el reverso, Eno mostraba su rostro más intelectual en tres piezas de corte clasicista (con sección de violines incluida) para un resultado evidentemente más sinfónico que recordaba un tanto, la propuesta de algunas bandas de Hyperium de los primeros noventa.
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En 1976, con los Roxy Music en pedazos y Ferry de solista, Eno junto al guitarrista de estos, Phil Manzanera, dió vida en agosto al grupo 801 con Bill McCormick (bajo, vocales), Francis Monkman (piano, clarinete), Lloyd Watson (guitarra, vocales) y Simon Phillips (batería). El grupo tocó tres fechas incluyendo una que se grabó en el Queen Elizabeth Hall de Londres y que dio como resultado la edición en Agosto del album 801 LIVE.
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Durante el resto del año, Eno se trasladó a Berlín, donde consigue uno de los mayores logros de su carrera. Grabó nada menos que con el dúo CLUSTER dos albums importantes llamados: CLUSTER & ENO (1977) y AFTER THE HEAT (1978), discos que marcaron la nueva etapa en el sonido del dúo, convirtiéndolo en más ambiental y predecible, debilitándolo ciertamente en fuerza e improvisación. Para Eno, las cosas no podían marchar mejor.
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En Berlín, Eno también produjo a Bowie, proyectando sobre él, una imagen distinta y de aires vanguardistas que lo refrescaron en ideas, manteniéndolo vigente durante aquel difícil período azotado por las nuevas olas del Punk y la naciente New Wave.
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En Diciembre fue lanzado el nuevo album BEFORE AND AFTER SCIENCE (1977), con la colaboración de Roedelius y Moebius (Cluster) en pianos eléctricos, Jakie Liebzeit (Can) en batería, y en guitarras los ya asiduos Fripp y Manzanera. El disco resultó ser tan diverso en su propuesta, como escazo en cuanto a la uniformidad que caracterizó a sus anteriores trabajos. Las piezas más importantes fueron Through Hollow Lands (dedicada a HAROLD BUDD, uno de los personajes que más contribuyó en la sonorización mayúscula de sus obras durante los primeros ochenta), con sus apacibles atmósferas de espiritual universalidad, y Spider And I (otra muestra de lo que en un futuro inmediato Eno haría evolucionar de la mano del talento de Budd), con sus paisajes de desolación a media luz. La capacidad de Eno para lograr recrear imágenes mediante la mezcla de texturas musicales, fue otro de los puntos que lo emparentaron con algunas bandas germanas igualmente descriptivas, como en el caso de Kraftwerk, más por la intención que por su sonorización. Las atmósferas originadas a partir del alargamiento exagerado de una sola nota por vez sería el sello característico de futuros trabajos y el componente básico para la escena Post-Rock de la segunda mitad de los noventa.
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En adelante, Eno se dedicó por completo al desarrollo y evolución de magníficos licuados instrumentales, sumamente breves en MUSIC FOR FILMS (1978), 18 piezas, y extensos en MUSIC FOR AIRPORTS (1979), apenas 4, este último fue lanzado en su nueva discográfica Ambient Records, encargada de la edición de los trabajos más inspirados en su fascinación por los olores, fascinación que lo llevó a indagar en ellos, descubriendo al combinarlos, nuevas fragancias mediante métodos al azar, concepto que luego aplicaría decididamente en sus texturas musicales.
En 1976, con los Roxy Music en pedazos y Ferry de solista, Eno junto al guitarrista de estos, Phil Manzanera, dió vida en agosto al grupo 801 con Bill McCormick (bajo, vocales), Francis Monkman (piano, clarinete), Lloyd Watson (guitarra, vocales) y Simon Phillips (batería). El grupo tocó tres fechas incluyendo una que se grabó en el Queen Elizabeth Hall de Londres y que dio como resultado la edición en Agosto del album 801 LIVE.
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Durante el resto del año, Eno se trasladó a Berlín, donde consigue uno de los mayores logros de su carrera. Grabó nada menos que con el dúo CLUSTER dos albums importantes llamados: CLUSTER & ENO (1977) y AFTER THE HEAT (1978), discos que marcaron la nueva etapa en el sonido del dúo, convirtiéndolo en más ambiental y predecible, debilitándolo ciertamente en fuerza e improvisación. Para Eno, las cosas no podían marchar mejor.
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En Berlín, Eno también produjo a Bowie, proyectando sobre él, una imagen distinta y de aires vanguardistas que lo refrescaron en ideas, manteniéndolo vigente durante aquel difícil período azotado por las nuevas olas del Punk y la naciente New Wave.
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En Diciembre fue lanzado el nuevo album BEFORE AND AFTER SCIENCE (1977), con la colaboración de Roedelius y Moebius (Cluster) en pianos eléctricos, Jakie Liebzeit (Can) en batería, y en guitarras los ya asiduos Fripp y Manzanera. El disco resultó ser tan diverso en su propuesta, como escazo en cuanto a la uniformidad que caracterizó a sus anteriores trabajos. Las piezas más importantes fueron Through Hollow Lands (dedicada a HAROLD BUDD, uno de los personajes que más contribuyó en la sonorización mayúscula de sus obras durante los primeros ochenta), con sus apacibles atmósferas de espiritual universalidad, y Spider And I (otra muestra de lo que en un futuro inmediato Eno haría evolucionar de la mano del talento de Budd), con sus paisajes de desolación a media luz. La capacidad de Eno para lograr recrear imágenes mediante la mezcla de texturas musicales, fue otro de los puntos que lo emparentaron con algunas bandas germanas igualmente descriptivas, como en el caso de Kraftwerk, más por la intención que por su sonorización. Las atmósferas originadas a partir del alargamiento exagerado de una sola nota por vez sería el sello característico de futuros trabajos y el componente básico para la escena Post-Rock de la segunda mitad de los noventa.
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En adelante, Eno se dedicó por completo al desarrollo y evolución de magníficos licuados instrumentales, sumamente breves en MUSIC FOR FILMS (1978), 18 piezas, y extensos en MUSIC FOR AIRPORTS (1979), apenas 4, este último fue lanzado en su nueva discográfica Ambient Records, encargada de la edición de los trabajos más inspirados en su fascinación por los olores, fascinación que lo llevó a indagar en ellos, descubriendo al combinarlos, nuevas fragancias mediante métodos al azar, concepto que luego aplicaría decididamente en sus texturas musicales.
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En esos años, Eno, paralelamente, produjo discos para otros grupos como DEVO (para quienes supervisó el disco debut Are We Not Men? We are Devo?), Ultravox (les produjo el tercero de la serie con John Foxx, Systems of Romance en 1979), y los discos que van del segundo al cuarto de los Talking Heads: More Songs Building And Food -1978, Fear of Music - 1979 y Remain in Light - 1980.
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La década de los ochenta se dio inicio con FOURTH WORLD VOL.1: POSSIBLE MUSICS (1980) al lado de la trompeta del músico de vanguardia Jon Hassell, y THE PLATEAUX OF MIRROR (1980) con el pianista Harold Budd, otro de los trabajos en donde Eno recreó paisajes y ambientes vaporosos. Por último, el año acabaría con la edición de DAY OF ROMANCE (1980) al lado de Laraaji. Estos dos últimos trabajos fueron etiquetados como parte de la serie Ambient Records: 2 y 3 respectivamente.
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En 1981 Eno grabó junto a David Byrne (líder de los Talking Heads) el innovador y peculiar album MY LIFE IN THE BUSH OF GHOSTS con el que obtiene críticas favorable tanto en UK (#29) como en los US (#44). Meses más tarde aparece DREAM THEORY IN MALAYA: FOURTH WORLD VOL. 2 (1981) nuevamente con Jon Hassell.
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ON LAND (1982) fue el primero de los discos con la participación de Michael Brook en las guitarras, sin duda, uno de los más logrados de su carrera, grabado entre Setiembre de 1978 y Enero de 1982.
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La década de los ochenta se dio inicio con FOURTH WORLD VOL.1: POSSIBLE MUSICS (1980) al lado de la trompeta del músico de vanguardia Jon Hassell, y THE PLATEAUX OF MIRROR (1980) con el pianista Harold Budd, otro de los trabajos en donde Eno recreó paisajes y ambientes vaporosos. Por último, el año acabaría con la edición de DAY OF ROMANCE (1980) al lado de Laraaji. Estos dos últimos trabajos fueron etiquetados como parte de la serie Ambient Records: 2 y 3 respectivamente.
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En 1981 Eno grabó junto a David Byrne (líder de los Talking Heads) el innovador y peculiar album MY LIFE IN THE BUSH OF GHOSTS con el que obtiene críticas favorable tanto en UK (#29) como en los US (#44). Meses más tarde aparece DREAM THEORY IN MALAYA: FOURTH WORLD VOL. 2 (1981) nuevamente con Jon Hassell.
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ON LAND (1982) fue el primero de los discos con la participación de Michael Brook en las guitarras, sin duda, uno de los más logrados de su carrera, grabado entre Setiembre de 1978 y Enero de 1982.
En 1983 aparecieron dos albums más, el primero de ellos fue la secuela de MUSIC FOR FILM VOL. 2 (1983), el otro, el soundtrack APOLLO - Atmospheres & Soundtracks (1983), un disco de atmósferas y sintetizadores recreado por el talento de Brian, su hermano Roger Eno y Daniel Lanois, representa una de las más altas crestas de creatividad en la magnífica carrera de Eno. Son especialmente destacables: Matta, con sus atmósferas de tensión subacuática (punto de referencia indispensable para conceptos futuros como los del Rock oceánico que lleva tales desarrollos a un plano más extenso, tanto como la inmensidad del mar, alargando notas hasta la saciedad y decorándolas con sonidos breves). An Ending (Ascent), por ejemplo, es un indiscutible precedente para propuestas futuras como las de Slowdive (quienes solían usar este tema como intro en sus iniciales presentaciones, tal y como también lo hacían los Pale Saints) e influencia para Cocteau Twins en su fase atmosférica de 1986 con sus paisajes celestiales. Drift en tanto, posee características aislacionistas y por último, Deep Blue Day contiene exquisitos aires difuminados de playas hawaianas y otros parajes luego visitados por Dif Juz y los Durutti Column. Eno fue pues, una de las razones fundamentales de la existencia de muchas propuestas vanguardistas en el futuro.
La prolífica carrera de Eno continuó con THE PEARL (1984), segundo de la saga Eno/Budd, y THURSDAY AFTERNOON (1985) con Michael Brook en las guitarras, ambos, piezas imprescindibles para el desarrollo de la Ethereal Music en los ochenta. Luego de ello, dedicó su tiempo y humor al trabajo de producción de artistas como U2 por ejemplo, produciéndoles The Unforgettable Fire (1984), el disco mejor logrado de los irlandeses, y el Joshua Tree (1987) que los convierte en una superbanda mainstream alrededor del globo.
En resumen, Eno siempre buscó a lo largo de su carrera desenvolverse y nutrirse de sus raíces europeas, tal y como lo hicieran las bandas germanas de la primera camada a inicios de los setenta, bandas que por cierto, fueron fuente de inspiración para mucho de lo que hizo Eno, siempre rodeado de músicos de nivel. Indudablemente, su trabajo como productor también fue muy valioso, es por ello considerado el Conny Plank de la música británica, además del responsable directo de la existencia de la posterior escena ambiental.
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Su discografía continúa hasta nuestros días, sin embargo la etapa que aquí detallo es la más sobresaliente y recomendable, a mi gusto.
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MARK GARDENER - crónica del concierto - 15 de Octubre 2008 - teatro Julieta, Lima
Por Eduardo Lenti
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Días antes del concierto, debo confesar que me sonaba algo extraño la idea de ver un show acústico de Mark Gardener y haciendo canciones de Ride, grupo que se caracterizó por sus melodías envueltas en capas de ruido... más fue respeto lo que me llevó al teatro Julieta la noche del 15 de Octubre...
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Como se anunció, Resplandor fueron los encargados de abrir, esta vez adaptando cinco de sus canciones en versiones electro-acústicas, incluyendo un cello y un violín, además de la participación de una vocalista que le dio un matiz diferente a la propuesta de Resplandor. En general, destacable el esfuerzo de la banda al crear la atmósfera adecuada para Mark Gardener, y por supuesto, por ofrecernos su música con nuevos arreglos.
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Tras Resplandor y luego de algunos minutos de espera, Gardener salió a escena acompañado de su guitarra... poco a poco fue ganándose al público con su calidad y cálida personalidad. Sin duda los años, en su caso, no han pasado pues mantiene intactos los registros en su técnica vocal, y si a eso le añadimos su calidad como músico, el resultado es destacable. Interpretó en acústica algunas clásicas de Ride como Leave Them All Behind por ejemplo, o Drive Blind, inclusive la melosa Twisterella y Chrome Waves, sin duda, los momentos más inspirados de la noche. Mención a parte para la soñadora Vapour Trail, canción que contó con la participación de dos invitadas en sección de Cello y Violín, instrumentos que caracterizan a la canción en su versión original logrando una vez más un gran resultado... fue el momento más emotivo y el pico de la noche, inclusive mientras se ejecutaba Vapour Trail, las imágenes distorsionadas que se apreciaban en la pantalla del fondo trajeron a mi mente el video... fue como transportarme a esa época de Ride y de la primera escena Shoegaze... Gardener se lució especialmente en los momentos en que interpretó las canciones que lo encumbraron junto a su banda... en cuanto a las nuevas canciones de la etapa solista, destacó especialmente Gravity Flow con loops de su voz realizados en tiempo real... el público estuvo conectado en todo momento. Se trató de un acústico entretenido rememorando viejos tiempos entre amigos... al final del acústico Gardener invitó a Resplandor para cerrar con la emblemática canción que dio a conocer a Ride en 1990, Chelsea Girl, desatando toda la fuerza del shoegaze en una versión que hizo despertar a algunos del dulce sueño convirtiendo el teatro en una verdadera pesadilla, en el buen sentido, claro esta.
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Como se anunció, Resplandor fueron los encargados de abrir, esta vez adaptando cinco de sus canciones en versiones electro-acústicas, incluyendo un cello y un violín, además de la participación de una vocalista que le dio un matiz diferente a la propuesta de Resplandor. En general, destacable el esfuerzo de la banda al crear la atmósfera adecuada para Mark Gardener, y por supuesto, por ofrecernos su música con nuevos arreglos.
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Tras Resplandor y luego de algunos minutos de espera, Gardener salió a escena acompañado de su guitarra... poco a poco fue ganándose al público con su calidad y cálida personalidad. Sin duda los años, en su caso, no han pasado pues mantiene intactos los registros en su técnica vocal, y si a eso le añadimos su calidad como músico, el resultado es destacable. Interpretó en acústica algunas clásicas de Ride como Leave Them All Behind por ejemplo, o Drive Blind, inclusive la melosa Twisterella y Chrome Waves, sin duda, los momentos más inspirados de la noche. Mención a parte para la soñadora Vapour Trail, canción que contó con la participación de dos invitadas en sección de Cello y Violín, instrumentos que caracterizan a la canción en su versión original logrando una vez más un gran resultado... fue el momento más emotivo y el pico de la noche, inclusive mientras se ejecutaba Vapour Trail, las imágenes distorsionadas que se apreciaban en la pantalla del fondo trajeron a mi mente el video... fue como transportarme a esa época de Ride y de la primera escena Shoegaze... Gardener se lució especialmente en los momentos en que interpretó las canciones que lo encumbraron junto a su banda... en cuanto a las nuevas canciones de la etapa solista, destacó especialmente Gravity Flow con loops de su voz realizados en tiempo real... el público estuvo conectado en todo momento. Se trató de un acústico entretenido rememorando viejos tiempos entre amigos... al final del acústico Gardener invitó a Resplandor para cerrar con la emblemática canción que dio a conocer a Ride en 1990, Chelsea Girl, desatando toda la fuerza del shoegaze en una versión que hizo despertar a algunos del dulce sueño convirtiendo el teatro en una verdadera pesadilla, en el buen sentido, claro esta.
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En general un buen show, aunque con algunas omisiones: Dreams Burn Down, Taste, Seagull y Cool Your Boots.
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Una vez más, gracias Automatic Entertainment
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Una vez más, gracias Automatic Entertainment
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martes 14 de octubre de 2008
B. FLEISCHMANN - ANGST IS NOT A WELTANSCHAUUNG (2008)
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Este es el nuevo trabajo de B. Fleischmann, uno de los músicos más creativos de la actualidad. Su esperado album y una nueva dosis de electrónica inteligente y divagadora. Otro lanzamiento del siempre recomendable sello Morr Music.
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B. Fleischmann - Angst Is Not A Weltanschauung (2008)
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Pass: nodata.tv
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WINDY & CARL - SONGS FOR THE BROKEN HEARTED (2008)
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Apenas lo puedo creer, un nuevo disco de una de las bandas más personales e impresionantes que nos regaló la muy influencial década de los Noventa: WINDY & CARL!!! y un nuevo viaje a través de este muy recomendable lanzamiento... Drone, paisajes sumamente dulces y a la vez turbios y desolados...
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Windy & Carl - Songs For The Broken Hearted (2008)
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ASTROBRITE - ONE HIT WONDER (2008)
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Astrobrite es el proyecto de Scott Cortez, reconocido músico creador de LovesLiesCrushing. Este es el nuevo disco de Astrobrite, igualmente como los anteriores, una exquisitez para nuestros oídos... Ethereal-Noise, ruidismo y experimentación... Compren el original, pues el formato y la presentación es impecable. A no dudar, uno de los mejores lanzamientos del 2008.
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Astrobrite - One Hit Wonder (2008)
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NEW GRAPE - NEW GRAPE TIME! (1995)
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Warren DeFever, una de las mentes más lúcidas de los años Noventa es el responsable de la reconocida banda His Name Is Alive. DeFever invita algunos músicos y vocalistas para sus discos y giras. Pero en esencia, DeFever es His Name Is Alive... al margen de su reconocido proyecto crecido bajo el influjo de la 4AD, DeFever ha dado mucho que hablar con su propio sello Time Stereo desde donde se aventuró a la experimentación y al ruidismo con plena libertad desde la segunda mitad de los años Noventa. Digamos que His Name Is Alive para lo que representa DeFever, es algo así como su lado más accesible...
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Un proyecto sumamente interesante de DeFever lanzado bajo su propia etiqueta Time Stereo, y únicamente en cassette y en tiraje limitado es el que a continuación les comparto. Se trata de NEW GRAPE, similar estructuralmente a His Name Is Alive pero mucho más extremo, realmente de primera. El hace todo, y Dara (una de las vocalistas invitadas en uno de los albums de His Name Is Alive) pone la voz y sus textos.
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Me he tomado el atrevimiento de remasterizar el presente archivo, tanto con el uso de filtros como enriqueciendo ciertas frecuencias... incluso he marcado los tracks en los lugares donde existen cambios, pues se trata de una seguidilla de tonadas sumergidas bajo ruido. Les sugiero lo re-escuchen paneando el sonido pues de ese modo pareciera tratarse de otro disco. Espero algún día aparezca la edición digitalizada oficialmente de esta auténtica gema de los años Noventa, punto de partida de muchas marcadas ideas en la música Shoegaze de las nuevas generaciones. Que Duda cabe, New Grape fue un proyecto que se adelantó a su tiempo... New Grape Time!
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Eduardo Lenti
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New Grape - New Grape Time! (1995)
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RADIO (SILVANIA + PROZACK) - RADIO (1999)
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Proyecto minimal techno de Mario y Cocó (Silvania) con Juan Carlos Ordóñez (Prozack). Como tal editaron un único disco en 1999 por demás recomendable.
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Radio - Radio (1999)
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martes 30 de septiembre de 2008
COCÓ CIËLO D.E.P. (1968 - 2008) EL LEGADO
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Los últimos días han sido de mucha tristeza para algunos amigos y conocidos que gustan de la música de Silvania, Ciëlo y que simpatizaban con la actitud e irreverencia de Jorge Luis Revilla, conocido como Cocó Ciëlo, quien fuera cobardemente asesinado la madrugada del Domingo 28 de Setiembre... Ha sido una enorme pérdida y una tragedia para quienes lo seguían en su faceta de artista y peor aún, un tremendo golpe para sus incontables amigos... Cocó seguirá vivo a través de su música, su más preciado legado.
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A manera de homenaje les dejo algunas líneas que preparé sobre Cocó a propósito de su visita a Lima en Febrero/ Marzo del 2007 cuando nos ofreció tres DJ Sessions en el Centro Cultural de España, el Dragón de Barranco, y en Nébula Club que fue el lugar en donde tuve la oportunidad de conocerlo.
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SILVANIA - EL NACIMIENTO DE LA ESCENA INDIE ESPAÑOLA
Por Eduardo Lenti
Por Eduardo Lenti
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Al iniciar los años ochenta, Jorge Luis Revilla y su compañero en Silvania y Ciëlo, Mario Mendoza, se vieron cautivados por la New Wave y sus elementos electrónicos, y también por el Post Punk de la 4AD. Acudían a lugares como el No Helden. Escuchaban la música que nos regalaba Súper FM y tras la explosión inevitable de la movida subterránea limeña (respuesta a la violencia y crisis de aquellos años) incursionaron en ella. De hecho Cocó conoció a Mario cuando éste formaba parte de Eutanasia, el primer grupo auténticamente anarkopunk limeño. Cocó inclusive tuvo acercamiento con Támira tomando parte del proyecto Salón Dada, uno de los más notables de la escena limeña en los años Ochenta.
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Tanto Cocó como Mario veían más allá del retraso que suponía vivir como parte de una sociedad de un país en desarrollo en épocas en las que no existía apoyo a las bandas nacionales que se desmarcaban del circuito comercial, y peor aún, épocas de crísis y de dificil acceso a la música... El movimiento subterráneo que los covijó en los inicios, se había politizado en exceso, y éste, musicalmente había encontrado su techo debido a la falta de apoyo de los medios y de la industria formal. Fue así como ambos se marcharon a Europa, Mario se trasladó a Ginebra en tanto, Cocó no desaprovechó la oportunidad que le brindaron sus padres para que realice estudios en Italia, en donde también tenía familia. Al poco tiempo Cocó hizo contacto con Mario y lo convenció de asentarse en Valencia, España, ciudad en donde darían forma a algunas inquietudes musicales creando SILVANIA en 1990.
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Fue así como tuvimos la grata novedad del primer disco, un EP llamado Miel Nube Hiel (1992) en donde se sentía una marcada influencia de la movida shoegazer. La energía de My Bloody Valentine y sus marejadas de ruido intenso. El romanticismo de Slowdive y la ritmicidad contagiante de los Pale Saints. El asunto fue muy significativo pues se trataba de un trabajo hecho por dos peruanos con todas las ventajas que tenían al poder desarrollarse desde un país del primer mundo. Y las críticas fueron muy favorables. Sus primeros pasos fueron bien recibidos por la prensa especializada española. Silvania ofrecía un nuevo sonido aún sin explorar por las bandas españolas de la época.
Al iniciar los años ochenta, Jorge Luis Revilla y su compañero en Silvania y Ciëlo, Mario Mendoza, se vieron cautivados por la New Wave y sus elementos electrónicos, y también por el Post Punk de la 4AD. Acudían a lugares como el No Helden. Escuchaban la música que nos regalaba Súper FM y tras la explosión inevitable de la movida subterránea limeña (respuesta a la violencia y crisis de aquellos años) incursionaron en ella. De hecho Cocó conoció a Mario cuando éste formaba parte de Eutanasia, el primer grupo auténticamente anarkopunk limeño. Cocó inclusive tuvo acercamiento con Támira tomando parte del proyecto Salón Dada, uno de los más notables de la escena limeña en los años Ochenta.
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Tanto Cocó como Mario veían más allá del retraso que suponía vivir como parte de una sociedad de un país en desarrollo en épocas en las que no existía apoyo a las bandas nacionales que se desmarcaban del circuito comercial, y peor aún, épocas de crísis y de dificil acceso a la música... El movimiento subterráneo que los covijó en los inicios, se había politizado en exceso, y éste, musicalmente había encontrado su techo debido a la falta de apoyo de los medios y de la industria formal. Fue así como ambos se marcharon a Europa, Mario se trasladó a Ginebra en tanto, Cocó no desaprovechó la oportunidad que le brindaron sus padres para que realice estudios en Italia, en donde también tenía familia. Al poco tiempo Cocó hizo contacto con Mario y lo convenció de asentarse en Valencia, España, ciudad en donde darían forma a algunas inquietudes musicales creando SILVANIA en 1990.
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Fue así como tuvimos la grata novedad del primer disco, un EP llamado Miel Nube Hiel (1992) en donde se sentía una marcada influencia de la movida shoegazer. La energía de My Bloody Valentine y sus marejadas de ruido intenso. El romanticismo de Slowdive y la ritmicidad contagiante de los Pale Saints. El asunto fue muy significativo pues se trataba de un trabajo hecho por dos peruanos con todas las ventajas que tenían al poder desarrollarse desde un país del primer mundo. Y las críticas fueron muy favorables. Sus primeros pasos fueron bien recibidos por la prensa especializada española. Silvania ofrecía un nuevo sonido aún sin explorar por las bandas españolas de la época.
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Mario y Cocó se iniciaron como grupo junto a dos amigos españoles, Sylvia Lydia al bajo y Santiago en la batería. Esta formación se mantendría en su primer disco largo.
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Mile Nube Hiel EP (1992)
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Desde mi perspectiva, por entonces era la primera vez que se escuchaba a un grupo liderado por peruanos haciendo algo muy acorde con la música de avanzada de aquel momento, como era la que propugnaban todas las bandas de la movida shoegazer europea. De hecho la influencia de este par de lúcidas mentes (Mario y Cocó) se vio reflejada en nuestra escena, pues, es a partir de entonces cuando se toma como ejemplo el trabajo de Silvania para el desarrollo de otras propuestas musicales que se fueron emprendiendo desde aquí, en Lima, con grupos como Resplandor, Hipnoacención, Claroscuro, Lunik, Evamuss y Christian Galarreta.
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En el primer album de Silvania, EN CIELO DE OCÉANO (1993), aún mantuvieron como elemento estético al ruido, generando inclusive multitud de ecos con la guitarra eléctrica.
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Desde mi perspectiva, por entonces era la primera vez que se escuchaba a un grupo liderado por peruanos haciendo algo muy acorde con la música de avanzada de aquel momento, como era la que propugnaban todas las bandas de la movida shoegazer europea. De hecho la influencia de este par de lúcidas mentes (Mario y Cocó) se vio reflejada en nuestra escena, pues, es a partir de entonces cuando se toma como ejemplo el trabajo de Silvania para el desarrollo de otras propuestas musicales que se fueron emprendiendo desde aquí, en Lima, con grupos como Resplandor, Hipnoacención, Claroscuro, Lunik, Evamuss y Christian Galarreta.
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En el primer album de Silvania, EN CIELO DE OCÉANO (1993), aún mantuvieron como elemento estético al ruido, generando inclusive multitud de ecos con la guitarra eléctrica.
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En Cielo De Océano (1993)
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PAISAJE III (1994) fue su primer trabajo como dúo, en donde conjugaron sensibilidad y experimentación con la síntesis digital, sumergiendo su nueva propuesta entre secuenciadores y samplers.
Por entonces Silvania ya era un nombre respetado a nivel español, y los ecos de aquello ya se dejaban sentir en Lima. Fue entonces cuando el dúo Silvania participaría en el primer Festival Internacional de Benicassim y abriría los conciertos madrileños de Stereolab y Moonshake.
Paisaje III (1994)
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DELAY TAMBOR (1996) fue su siguiente disco, esta vez con re-lecturas y remezclas de algunos de los temas aparecidos anteriormente en los dos primeros albums, aunque recreados a partir de las pistas originales y por gente brillante de la electrónica de avanzada como el dúo Autechre, Seefeel (Mark Clifford nada menos), Locust (Mark Van Hoen) y Scanner. El reconocimiento a nivel européo había llegado.
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Desde entonces Silvania incursionaría en la electrónica de avanzada, sumergiéndose en el llamado Intelligence (IDM), en el más puro minimalismo, y jugando con texturas y paisajes introspectivos hacia ritmos incluso bailables. Discos como JUNIPERFIN (1997) y NAVES SIN PUERTOS (1998), éste último considerado el mejor disco electrónico de la década pasada en España, así lo demostraron.
Juniperfin (1997)
Naves Sin Puertos (1998)
Paralelamente a Silvania, Cocó Revilla debutó como solista bajo el seudónimo de DJ GALAX editando RUIDO Y COLORISMO (1999) y participando a su vez como DJ en diversos festivales de renombre. De hecho el EP GALAX TRAX con la intervención del holandés Mark Van Hoen ya había dado las primeras señales de su nueva fórmula. La de llevar música más intelectual a las pistas de baile madrileñas... Cocó y Mario, establecidos en Madrid desde mediados de los Noventa, ya habían dado forma al primer club madrileño de la escena electrónica, el Galax, haciendo alusión al antiguo supermercado que tuvimos en Lima... a su vez fundaron su propio sello discográfico Click New Wave, y Cocó se convirtío en uno de los DJs más sobresalientes de las noches madrileñas, y probablemente en el más arriesgado e innovador de la escena electrónica de la zona, pasando por lugares como el Coppelia 101, el Soma, el OUI, o el Stardust del Cool (lugar en donde le tocaba su próxima sesión) manteniendo en todos los casos constancia y plena vigencia.
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En el 2002 Mario y Cocó desbarataron la baraja e iniciaron una nueva aventura llamada CIËLO con el album UN AMOR MATÓ AL FUTURO, disco en donde echaron un vistazo nostálgico a la primera generación electro-pop. De hecho se percibe en sus composiciones la influencia de Visage, Human League, Gary Numan, Soft Cell, aunque, claro está, con un cierto toque retro-futurista. El último album de Cielö fue PARAÍSO VACÍO (2007) con una fórmula similar y de mayor elaboración.
Cocó también tenía un proyecto en solitario llamado Antártica. Precisamente había ideado una gira Latinoamericana.
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Por todo lo antes dicho, una gran pérdida.
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